El hiperrealismo es un movimiento artístico figurativo que surgió a mediados de 1960 y principios de 1970, en donde el artista reproduce la realidad con una nitidez y definición semejante a la exactitud fotográfica, pero aplicando técnicas pictóricas o escultóricas que hacen la imagen más vívida que la mera fotografía.
La obra hiperrealista debe ser tan
verosímil (realista) que parezca más viva que la realidad conocida. Por ende,
los artistas ocultan cualquier evidencia del proceso de ejecución por medio de
la perfección en los acabados y la perfección técnica, abocada a lograr
definición y nitidez absoluta. Por ello, se regodea en el gusto por el detalle,
que permite acrecentar el realismo.
Por otro lado, el arte hiperrealista
cuestiona la experiencia visual y los alcances del ojo humano. Con sus obras,
los artistas exploran los límites y posibilidades de la pintura, de la imagen y
de la escultura (del lugar de los objetos en el mundo).
La obsesión hiperrealista por el detalle
brinda un papel protagónico a algunos elementos de la composición, como la
textura, la incidencia de la luz, las superficies, las sombras. Esto provoca un
efecto de extrañamiento en el espectador que lo obliga a mirar el mundo dos
veces, a prestar más atención y a cuestionarnos el potencial estético de la
realidad: la extraña belleza de lo mundano.
Los temas del arte hiperrealista son
variados. Con frecuencia se ven figuras humanas, escenas y paisajes urbanos,
bodegones, objetos de la sociedad de consumo, momentos efímeros, elementos de
la naturaleza, etc. Estos temas dan la apariencia de ser triviales. Sin
embargo, tienen el profundo sentido de expresar la desesperación de la sociedad
de consumo. Asimismo, son ocasión para reflexionar sobre el papel de los medios
audiovisuales, en su intento por suplantar la realidad.
Precursores del hiperrealismo
Ralph Goings
Ralph Goings es un pintor estadounidense asociado con el fotorrealismo de los años 1960s y 1970s. Es conocido por las pinturas detallistas de los puestos de hamburguesas, los camiones, los bancos en California, retratados en una forma objetiva de manera deliberada.
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| Still Life With Peppers, 1981 |
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| Ralph´s Dinner, 1982 |
Richard Estes
Richard Estes es un pintor estadounidense conocido por sus pinturas hiperrealistas. Una característica de su pintura es la compleja utilización de las superficies con luz refractada.
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| Water Taxi, Mount Desert, 1999 |
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| Checkout, 2012 |
Chuck Close
Chuck Close es un artista estadounidense que creó su obra dentro del llamado hiperrealismo. Como pintor trabaja en grandes formatos, casi exclusivamente creando retratos.
Big Self-Portrait, 1968 
Phil, 1976
Charles Bell
Charles Bell (2 de febrero de 1935, Tulsa,
Oklahoma – 1 de abril de 1995, Manhattan, Nueva York) fue uno de los
abanderados del fotorealismo, capaz de convertir lo mundano en una maravilla
pictórica cuyo resultado poco o nada tendría que envidiar a una imagen
percibida tridimensionalmente.
A pesar de no haber recibido formación
artística, desarrolló una técnica exquisita creando sus pinturas mediante
fotografías de diferentes temas a modo de bodegones inmersos en la cultura pop.
Sus obras nos evocan sentimientos de la adolescencia, son impactantes y llenas
de carga emotiva, así como fácilmente identificables.
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| Kandy Kane Rainbow, 1994 |
Trabajaba a partir de fotografías que él mismo tomaba para reproducir hasta el más mínimo detalle con una técnica que consistía en proyectar una diapositiva de los detalles sobre el lienzo y uno de los aspectos que más le caracterizaba era la realización de sus obras en una escala incluso diez veces mayor al tamaño natural del motivo en cuestión, usando colores brillantes, vibrantes e incluso capaces de transmitir sensaciones que podrían retarse en duelo con la fotografía. Sus temas principales son objetos de la sociedad de consumo, como las máquinas expendedoras de chicles, dulces, canicas, máquinas de pinball, juguetes antiguos de lata, Barbies y muñecas antiguas y también figuras de acción en clásicas poses que formaban parte de escenas imaginarias y composiciones llenas de dinamismo gracias a la iluminación de estudio. A pesar de realizar estas obras hiperrealistas él mismo decía que, aunque sus cuadros parecían reales, no dejaba de ser una realidad subjetiva.
1 to 4 Can Play, 1988
Autores contemporáneos hiperrealistas
Lee Price
Durante más de 20 años, la artista afincada en Nueva York Lee Price se ha especializado en la pintura al óleo hiperrealista. En sus impresionantes obras, nos enseña lo que fue la difícil relación entre su cuerpo y la comida, obsesión que acompañó a la artista desde su juventud.
Empty Plates 
Ice Cream
Eric Zener
Eric Zener es un pintor fotorrealista autodidacta, que nació en Astoria (Oregón) en 1966.
Sus pinturas más características se desarrollan en ambientes acuáticos, con personajes solitarios o en parejas, muchas veces semisumergidos o en trampolines. Paisajes de playa y piscina pintados al óleo tomando como base sus propias fotografías.
Reflections, 2007 
Relinquishing, 2006
Antonio López García
Es uno de los principales artistas hiperrealistas de España. Su hiperrealismo es ortodoxo. Una precisión casi fotográfica, pero sin llegar a la frialdad fotorealista. Una minuciosidad y exactitud llevada a cabo con una herramienta: el virtuosismo técnico, que supera la «visión» del objetivo fotográfico
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| Cabeza griega y vestido azul, 1958 |
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| La mesa, 1980 |
Alyssa Monks
Alyssa Monks es una pintora estadounidense que actualmente reside en Brooklyn. Se especializa en grandes pinturas al óleo y es reconocida tanto en los Estados Unidos como en Europa por su trabajo con figuras oscurecidas por agua, vapor y vinilo.
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| Be Perfectly Still, 2021 |
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| Wane, 2020 |
Conclusión
Anselm Kiefer es un pintor y escultor de origen alemán es uno de los representantes más destacados del Neoexpresionismo siendo su obra, un referente de la experimentación plástica a través de diferentes medios y soportes que van desde el grabado hasta la instalación.
Anselm Kiefer estudió derecho, lenguas y literatura romana, antes de dedicarse por completo a la pintura. Se obsesiona por indagar en la historia y la mitología alemanas, también en la egipcia, así como en la Biblia o la Cábala. En 2005 mostró una serie de pinturas basadas en la obra poco conocida del poeta futurista ruso Velimir Chlebnikov (1885-1922). Recibe las influencias de artistas como Georg Baselitz y Jôrg Immendorf, pero además sigue las lecturas del filósofo Martin Heidegger, a quien en 1975 le dedica uno de sus primeras publicaciones; y la música de Richard Wagner, de quien utiliza el nombre de la ópera Die Meistersinger (1981-1982) para titular una de sus obras.
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| Anselm Kiefer Die Meistersinger (The Mastersingers), 1982 |
Lejos de ser un mero ilustrador de problemas puntuales de la historia alemana, Kiefer ha desarrollado un estilo independiente de pintura que a veces explora la relación entre fotografía y pintura, utilizando frecuentemente fotos como base del cuadro. Su técnica consiste en la aplicación de numerosas capas gruesas de pigmento hasta producir un impasto tan denso que tiene que ser cortado o quemado para poder seguir aplicando capas.
En sus trabajos predominan los colores ocres y grises. Salvo contadas excepciones (como en las acuarelas de 2013), prevalece una paleta lúgubre, influenciada más por los materiales que por la pintura.
La pintura de Anselm Kiefer es principalmente matérica. Lo cual quiere decir que utiliza distintas técnicas, como acrílico, óleo, dibujo , acuarela, fotografía y collage, y lo funde con múltiples materiales como vidrio, madera, vegetales, ensamblaje, paja, ramas, madera, yeso, piedra, ceniza, polvo, flores, ropa, metales, alambre de púas, armamento militar, desechos, etc.
Sus cuadros, generalmente de gran formato, se generan a partir de distintas capas. Crea una, la borra, aunque no del todo, y sigue trabajando en una nueva capa, a modo de palimpsesto, como el propio artista afirma. Esta es su forma de decirnos que lo transmitido nunca nos llega en su forma auténtica, sino después de pasar por las manos de diversos intermediarios que han alterado el original. Le interesa lo que casi se ha olvidado.
Sus temas son crudos y fuertes e incluso tabú, habitualmente relacionados con la guerra, el nazismo, los campos de concentración y otros temas de la historia alemana reciente. su arte existe a partir de construir, demoler y reconstruir. Como si quisiera representar el universo.
“Cuando una estrella explota todo el material va al cosmos, y luego un día será recompuesto. Será otra estrella, por eso guardo todos los restos de mis cuadros en cajas…”.La obra que más llamó la atención fue la siguiente principalmente por el contraste entre los tonos amarillo de las ramas y azul de la pintura de fondo, además de que me da la sensación de un gran paso del tiempo como si fueran los restos de una estatua y que la naturaleza tapara un evento histórico que alguna vez ocurrió.
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| Anselm Kiefer. “Deja que florezcan mil flores” (2000). |
Ser cuerpo en el mundo
Los diversos paradigmas y sus matrices teórico-conceptuales han desarrollado un entramado analítico que ha significado representar de diversas maneras la concepción del cuerpo. Sin embargo, el sentido de ser en el mundo pregunta también por la manera de habitarlo, de encarnarlo, de comprenderlo y de reconocer lo que el mundo nos devuelve en la percepción sensible de las cosas. Por esto, mi cuerpo permite que comprenda al otro y a lo otro. Una seña, un signo, un gesto: el sentido del cuerpo en su gesto se funde con la estructura del mundo que el propio gesto construye y bosqueja. La comprensión de los gestos no es, según Merleau-Ponty, un ejercicio de la conciencia atada a la intelección, se trata más bien de una comprensión del gesto en virtud de comprender el comportamiento que demanda la expresión del gesto como un texto corpóreo. Por esta razón, también pensable como una cierta referencia al ser y a la manera en que éste construye el mundo.
Podemos escenificar o determinar el lugar del mundo por la expresión que nuestro propio cuerpo revela los aspectos del mundo. El ser es el espíritu del mundo que se hace cuerpo, que lo encarna y lo transforma. Cuerpo y mundo se presentan bajo una complicidad simultánea.
“dicho espíritu totalmente puro lo encuentro y por así decirlo no lo toco sino en mí mismo. Los otros hombres jamás son para mi puro espíritu: solo los conozco a través de sus miradas, sus gestos, sus palabras, en resumen, a través de su cuerpo” ( Merleau-Ponty).
Lo apolíneo y lo dionisíaco
Apolo
- Dios de la juventud, la belleza, la poesía y las artes.
- Para Nietzsche: Dios de la luz, de la claridad y la armonía. Simbolizaba también la norma, la serenidad, el equilibrio, la moderación, la medida, la perfección, lo coherente, lo proporcionado.
- Dios del vino, fiestas, cosechas, la embriaguez y Dios de la alegría desbordante.
- Para Nietzsche: confusión, caos, la noche, del riesgo, lo oscuro, lo que callamos de cada uno, lo pasional.
Dos símbolos que se complementan
Componentes de lo apolíneo
- La serenidad.
- La luz.
- La belleza.
- Fiesta.
- Confusión.
- Caos.
- La noche.
- Lo oscuro.
Lo agradable es un placer simple, es una respuesta mecánica del organismo; no se presenta reflexividad alguna, ya que no alcanza a intervenir el entendimiento. Este juicio estético no es un juicio de gusto porque es interesado. Cuando afirmamos que algo es agradable, no pretendemos que los demás concuerden con nuestro gusto; no hay posibilidad de establecer consenso porque la afirmación dada descansa en un juicio particular (privado). Quien goza de sabores picantes, o de aromas como al del ajo, no espera que muchos compartan su agrado. En cambio, los juicios de gusto se diferencian porque son desinteresados y dan origen a una universalidad subjetiva.
A continuación, analizare los juicios que se realizan en el siguiente articulo: Los 6 artistas que formaron a los Hairy Who en la década de 1960 Chicago - Artsy.
Juicios de lo agradable:
- Sus obras a menudo representan mutilaciones y enfermedades de la piel, que se sientan en marcado contraste con su estética por demás alegre.
- Al igual que sus dibujos, emanan una sensación de energía desenfrenada; una mezcla cacofónica y arrebatadora de alegría o locura.
- Sin embargo, la vulgaridad de sus imágenes, desde sus detalles sangrientos hasta su humor de vestuario, siempre queda compensada por la destreza técnica del artista.
- Rocca estaba fascinada por cómo una sola palmera puede abarcar una visión del paraíso, o cómo un anillo de diamantes simboliza el amor verdadero.
- Este enredo de seres y cosas a veces puede conducir a una aglomeración del plano de la imagen, sin embargo, todo parece perfecto y legible gracias a la habilidad de Nilsson como colorista, que convierte incluso las composiciones más densas en patrones exquisitos.
- Las obras se sienten clásicas y futuristas, y son igualmente fascinantes y confusas, con su arquitectura imposible y paisajes hiperrealistas.
¿Por qué? Recordemos que el juicio sobre lo agradable sería para Kant un juicio fundado en un sentimiento privado y por ello sería un tipo de juicio que no podríamos pretender que tuviera validez para todo el mundo. Un ejemplo que nos propone Kant de este tipo sería cuando alguien dice que el vino de Canarias es agradable, en realidad para Kant, cuando alguien realiza este juicio debería decir el vino de Canarias me es agradable, pues ese tipo de juicio se limitaría exclusivamente a la persona que efectuó el juicio.
- El arte pop de Nueva York era considerado cool.
- En el trabajo de Jim Nutt, muestra la rebeldía de la forma humana es el frente y el centro de las espinillas erupción, salpicaduras de sudor, y los pelos brotan como una cosecha de microgreens.
- Cada una de las composiciones de Nutt está planificada con el máximo cuidado.
- Las figuras en sí parecen hechas de goma, las extremidades se extienden hasta el borde de la imagen, dando vueltas alrededor de cualquier cosa cercana.
- En su obra posterior, las composiciones de Green se vuelven cada vez más densas, con la complejidad y geometría de un mosaico, o un tapiz.
¿Por qué? Los juicios del gusto llevarían asociados una pretensión de validez universal dado que en relación con lo bello en opinión de Kant no podría decirse que cada cual tiene su gusto especial pues ello equivaldría dice canta decir que el gusto no existe. Los juicios antes planteados sugieren una universalidad, ya sea como en el primer caso que se habla de un colectivo o como en los demás, en los que las personas pueden realizar reflexiones a partir de los juicios y en su mayoría llegar a ese mismo juicio, ya que no se basan en sensaciones particulares.
Ahora que se hicieron una idea de ella procederé a explicar las relaciones de esta obra y puedan observar si el nivel de belleza aumenta, disminuye o desaparece.
A lo largo del tiempo el pulpo ha sido asociado a las energías, el conocimiento, la psique, la fluidez y la creatividad. Son un buen símbolo de regeneración también y es que tienen la capacidad de deshacerse de uno de sus tentáculos, pero también tienen la capacidad de regenerarlo. En relación con el elemento de la regeneración, el simbolismo del pulpo tiene que ver con el tiempo, la unidad, los ciclos, la evolución y la regeneración. Esto nos recuerda que nuestra esencia nunca se pierde. Somos un resumen de nuestras mejores y peores partes, que vive en una constante evolución. Una metáfora al saber aceptarnos a nosotros mismos tanto en el pasado, presente y futuro.
Por otro lado, Tanto los ojos negros como la esfera de energía crean una relación con mi cantante favorita (Melanie Martínez), pues ella utiliza los ojos para representar que alguien se está despertando un nivel más alto de conciencia y los poderes que obtiene (en este caso la bola de energía) son simplemente una representación de los dones y habilidades que obtenemos como humanos al enfocarnos en curarnos a nosotros mismos y al mundo que nos rodea.
El contexto del dibujo surgió a partir de notar el proceso que tanto mis amigos y yo hemos llevado para romper y transformar nuestra forma de pensar y actuar con nuestro mundo interno y cada vez convertirnos en lo que queremos alcanzar.
Para concluir, la obra en si representa la transformación de tu mente al amarte a ti mismo y las nuevas habilidades que obtenemos al lograrlo. El dibujo sirve para recordar que debemos ser dueños de nuestra mente y no esclavos de la misma. Ahora que conoces las relaciones ¿consideras que la obra es bella?
